ARTE
HISTORIA DEL ARTE
Las clases sociales y el Arte. Del Paleolítico a Banksy
Prólogo
Más
que prólogo, que realmente no existe, esto es un epílogo, una rendición. La
intención de hacer una presentación de este trabajo se fundamentaba en una
primera idea de relacionar el arte y su historia con la lucha de clases, con el
Marxismo. Pues como digo, me rindo. Le he dado veinte mil vueltas; he buscado
en internet la relación entre arte y marxismo y lo que encuentro son
divagaciones; todo me dirige al periodo soviético y la relación con los
artistas y esa no era mi intención. Seguramente la historia del arte es la
historia de la lucha de clases, de oprimidos y opresores, de señores y
esclavos, de dioses y hombres, de reyes y súbditos, de capitalistas y
miserables. Marx dijo que el arte era político o no lo era y tenía mucha razón.
Todas las relaciones humanas, en cuanto a sociedad, se desarrollan en un ámbito
político. El artista siempre ha pensado en el resultado crematístico de su
obra, de conseguir privilegios, fama o prestigio, luego el trasfondo es
político. Otra cosa es el enfoque político de su obra, de conciencia social, de
conciencia de clase.
La idea era ir desarrollando cada
periodo artístico, cada cultura, cada movimiento o al menos los más
representativos y relacionarlos con la interacción de los artistas y el poder;
aunque verdaderamente el concepto artista es muy actual, desde la antigüedad hasta
bien entrada la Edad Contemporánea, los artistas eran considerados meros
artesanos, incluso muy reconocidos, pero no como trascendentes; eran ricos o
famosos, incluso poderosos, pero no había un concepto intelectual y metafísico de su trabajo.
El arte musical, la escénica o la
literaria son más útiles para la manipulación, son más fáciles para llegar al
sentimiento y emociones de la gente, las artes plásticas lo tienen más difícil,
necesitan de una formación artística o comprensión y disfrute de la estética.
Actualmente el capitalismo ha vencido
claramente, los señores, dioses o reyes ahora son los capitalistas, auténtico
poder, que pueden levantar o aplastar a los artistas. La auténtica obra de arte
de la humanidad es el dinero, con el cual se consigue todo, la idea, la obra e
incluso la conciencia y libertad del artista. Pero ¿esto es nuevo? Imagino que
Marx tendría una visión muy parecida a la actual, a diferencia del poder,
subordinado, de los artistas actuales que parece que solo son ricos y a menudo
caprichosos, en el siglo XIX los artistas vivían muy justos y según parece era
muy normal pasar necesidades y evidentemente con más talento.
Esta colosal obra que aquí presento
nunca estará terminada, estoy decidido a que sufra continuas ampliaciones y
modificaciones, es solo una base de mis apreciaciones. A medida que me vengan
ocurrencias y nuevas imágenes, intentaré plasmarlas, al igual que la magna obra
SUMMA ARTIS que lleva desde antes de la Guerra Civil ampliándose. De momento el
título sigue, aunque no tenga nada que ver con lo que presento, no tengo prisa,
quien sabe, puede que algún día se titule El Arte y el Mundo de los Payasos y
sustituya imágenes de cuadros, por dibujitos de arlequines.
Desde un principio, para la
humanidad, el arte ha tenido un carácter social. Las pinturas rupestres
formaban parte de los rituales y enseñanzas necesarias para la transmisión de
conocimientos como la forma de cazar a los animales representados o tal vez contaran
historias mágicas relacionadas con ellos. No sabemos a quién estaban
destinadas, a niños, a jóvenes, a mayores. Tampoco sabemos quién las pintaba,
cazadores, mujeres, ancianos. Recientes teorías implican a la mujer tanto en la
caza como en la realización de las pinturas, ¿con qué sentido? Dejemos que los
estudiosos sigan elucubrando.
Pero en estas obras, lo más
admirable, además de la propia obra, es la finura y meticulosidad que
aplicaban, aprovechando los salientes o grietas para resaltar los dibujos,
creando una nueva dimensión, un 3D muy actual, muy utilizado por grandes
pintores actuales, como Miquel Barceló entre otros, quién utiliza mucho esta
técnica del resalte. Todo esto lo podemos comprobar en la catedral del
paleolítico, las Cuevas de Altamira,
también en cualquier exposición del pintor mencionado.
Cuevas de Altamira (Fragmento)
Podemos decir que esto es el
inicio del Arte conocido, una
finalidad estética y comunicativa, donde se expresan ideas y una visión del
mundo, de su cultura, reflejando y transmitiendo valores y conocimientos.
¿Quién sabe si el sentido también es pedagógico? Es muy probable.
El arte como sinónimo de
experiencia, talento, habilidad y quién sabe si también de manipulación, de
diferenciación de estatus. Puede que esos trogloditas, por medio de estos u
otros trabajos consiguieran privilegios. No sabemos si mientras pintaban otros
cazaban por ellos, pero lo que parece claro que las personas que realizaban
estas pinturas u objetos tenían una visión muy moderna de la sociedad, muy
realista y exacta. Podemos comprobar que en culturas de tribus más actuales no
parece que en sus tótems de madera hayan superado esas técnicas.
Podemos imaginar un determinado
reparto del trabajo, unos pintan, otros cazan o recolectan frutos, otros
defienden la cueva de posibles ataques de otras tribus o animales, otros
enseñan. Puede que los más fuertes, los más listos o simplemente los más
poderosos decidan esa distribución del trabajo, probablemente el hechicero de
la tribu. En cierta manera nos encontramos con una pequeña sociedad, donde se
distribuyen los papeles, al igual que las sociedades actuales. Pero en esa
sociedad, ¿cuál es su mayor valor intrínseco?, pues la cultura, sus
conocimientos y la forma de transmitirlo y una forma muy importante de esto son
las propias pinturas y representaciones. Además, no es difícil imaginar las
danzas, las canciones, los ritmos producidos por ancestrales instrumentos, no
guitarras, pero sí flautas, tambores etc. ¿Qué podemos deducir de todo esto?,
que cultura y arte van de la mano indefectiblemente.
Arte y cultura. Es curioso, más
actual no puede ser, cultura y comunicación, cultura y relaciones sociales,
relaciones sociales y relaciones de poder. Relaciones de poder y arte. Todas
las actividades del ser humano están unidas, unas van con otras.
Parece ser que la época dorada de
las pinturas rupestres es de hace
unos veinte mil años, al menos en el sur de Europa, la zona mediterránea, sur
de Francia, norte de España, norte de África, Oriente Medio, no parece que haya
más pinturas rupestres significativas en el resto del mundo, América ya estaba
recibiendo los primeros pobladores originarios de Asia. Pero nada comparable a
las cuevas de Lascaux o Altamira.
Cueva de Lascaux (fragmento)
Dando un gran salto de tiempo
hacia adelante, la cultura y las poblaciones humanas se van desarrollando,
sobre todo con la actividad agrícola, el hombre pasa de cazador recolector por
lo tanto nómada (no sabemos las cuevas que iban aprovechando por el camino) a
un sedentarismo necesario si quiere explotar los frutos de la tierra. Los
poblados crecen al igual que las sociedades humanas. Las cosechas permiten
alimentarse a mayor número de personas, lo cual no significa una mejor calidad
de vida que los cazadores, de hecho, analizando restos humanos de esos tiempos,
se comprueba que estaban bastante peor alimentados y cuando venían sequias o
alteraciones climáticas la mortandad era tremenda. Lo que evidentemente se
desarrolla es la relación humana, la comunicación, el poder de algunos, el arte
como instrumento de poder y el disfrute estético de la obra bien acabada. Una
gran parte de gente puede estar ocupada con la agricultura, con periodos entre
cosechas que pueden ser dedicados a construcciones arquitectónicas, de tipo
religioso o civil, con un gran sentido social, con participación masiva de
trabajadores, voluntariamente o a la fuerza, (más bien lo segundo), con el
ánimo de ensalzar al más poderoso de la sociedad, un cacique, un gobernador o
un hijo de algún dios. Siempre me he preguntado que tendrán las pirámides,
parecen una obsesión del entendimiento humano, mesopotámicas, egipcias,
orientales, aztecas, incas, mayas. Parecen un objetivo netamente religioso para
ensalzar a alguien. Es obvio que en la construcción de estas magnificencias y
al participar un alto número de personas, la distribución del trabajo se hace
absolutamente necesaria, pero nos da la sensación que el mejor alimentado no es
el que más trabaja. Pero lo que si queda claro en los restos que nos han
llegado es el sentido de la obra bien hecha, bien acabada, bella, técnicamente
perfecta, auténtica obra de arte, con la meticulosidad de las pinturas
rupestres. Por la literatura y el cine nos podemos imaginar fácilmente el tipo
de relaciones humanas, de poder, de privilegios a la hora de construirlas. En
una palabra, la lucha de clases está siempre presente al igual que la
explotación de unos hombres por otros.
Posiblemente los primeros asentamientos agrícolas fueran en la antigua Mesopotamia, en la zona fértil entre los ríos Éufrates y Tigris, entre Siria e Irak actuales. Ciudades que se desarrollaron amparando a un gran número de habitantes, domesticando plantas salvajes como el trigo o la cebada, posibilitando la alimentación de un gran número de personas. Estas antiguas ciudades sumerias, como Ur o Jericó, con héroes legendarios como Gilgamesh y su Epopeya o reyes como Hammurabi con su Código, propiciaron un arte arquitectónico y decorativo que nos ha llegado hasta nuestros días; pirámides escalonadas (Zigurat) o grandes murallas muy decoradas, nos hacen pensar en el gran número de personas que participarían en su construcción. Sumerios, Acadios. Babilonios, Asirios hasta la invasión de los persas, fueron sucediéndose, con sus Reyes, Sacerdotes, escribas (la primera escritura, de tipo cuneiforme) y la gran masa de la población formada por agricultores, ganade
Un poco posterior a esta civilización nos encontramos con el asombroso mundo del Antiguo Egipto, civilización agrícola en el curso medio y bajo del rio Nilo, cuya historia se remonta a 3.000 años antes de Cristo y que acaba en manos de griegos (Alejandro Magno) y posteriormente del imperio romano. Una sociedad muy estructurada, con reyes y faraones, auténticos dioses en lo más alto y con la habitual pirámide social con multitud de esclavos como mano de obra para sus construcciones o como indican estudios actuales, los propios nativos en periodos de descanso en las labores agrícolas y con el objetivo de rendir culto a su faraón trabajaban intermitentemente en la realización de los monumentos más asombrosos de la humanidad como las pirámides y templos dedicados a los dioses faraones. Esta cultura abarca todas las artes: la arquitectura con las enigmáticas pirámides (Keops), templos dedicados a sus dioses (Abu Simbel), escultura, pintura, cerámica etc. Utilizaron diferentes escrituras como los pictogramas que representaban sonidos y la más enigmática, los jeroglíficos que nos fueron descifrados hasta el Siglo XIX.
Paralelamente en el tiempo con la
civilización egipcia, aparece una nueva cultura, origen de las civilizaciones
mediterráneas, civilización prehelénica en la isla de Creta, en el Mar Egeo al
sureste de Grecia; llamada Minoica al atribuirse su origen al mito de Minos y
de dudosa realidad histórica, lo que parece más certero son las relaciones
entre minoicos y griegos continentales eran de tipo comercial. Lo más
representativo de esta cultura está presente en el palacio de Cnosos, auténtica
maravilla, construido hacia el 2000 a de C. y destruido por un terremoto sobre
el 1700 a de C. siendo reconstruido en los siguientes siglos, acabando
abandonado, contenía unas 1500 habitaciones, decoradas con frescos que
representaban la vida cotidiana y temas como las luchas, rituales con toros
etc., encontrándose infinidad de cerámicas con figuras de animales o con formas
poliédricas o esféricas. Parece que tenían una religión de tipo matriarcal ya
que las diosas tenían un papel preponderante, diosas madres, de los animales,
protectoras de ciudades, ancestros de las diosas griegas y solían ser
representadas acompañadas de serpientes, pájaros y animales sobre la cabeza. Su
lengua no ha podido ser descifrada pero lo probable es que fuera una sociedad
con diferentes sustratos sociales.
Acercándonos a la era del
conocimiento, cuando los hombres comienzan a separar los mitos de la realidad,
cuando se crean sociedades más avanzadas, el hombre sigue creando, sigue
construyendo, apreciando todo lo que conlleve una emoción provocada por la obra
de arte bien hecha, ciudades estado como
la Atenas de Pericles (Siglo V a C.) y otras del Peloponeso (Esparta), en
Turquía (Mileto), La Magna Grecia (sur de Italia y Sicilia), la Crotona de
Pitágoras o Siracusa, donde la mejor forma de ensalzar los valores del pueblo
griego era mediante sus obras de arte. La construcción de templos y edificios
civiles, también dedicados a los dioses y héroes, la realización de las más
bellas esculturas, la pintura y decoración de esos mismos templos y paredes de
las casas, las más bellas cerámicas, incluso la danza, el teatro y la música.
Todo ello como aderezo de una sociedad democrática, pero en esencia una
sociedad con grandes desigualdades sociales. En esa Atenas, más de la mitad de
la población eran esclavos sin derecho a elegir y solo podían disfrutar de esas
obras por medio de la vista o construyéndolas ya que solo estaban para uso y
disfrute de sus señores.
Acrópolis de Atenas (Partenón) Busto de Perícles
Podríamos decir que el inicio de
la concienciación artística lo encontramos en aquella Grecia donde el pueblo
sabía apreciar las obras de una forma intelectual, de disfrute de la estética,
de la emoción que provoca, del significado de esas obras subjetivamente, no
solo decoración. Lo podemos apreciar en la gran proliferación de esculturas y
retratos, con una perfección muy realista, con gran belleza, diferenciándose
netamente de las obras de otras civilizaciones donde esa minuciosidad y
perfección no están tan refinadas. No solo está bien y es real, también es
bello. La belleza ocupa un lugar relevante, es el arte clásico por excelencia. Aquí
ya empezamos a conocer los nombres de los artistas, escultores y arquitectos
como Mirón o Fidias. La Acrópolis de Atenas es la mayor concentración del arte
griego, construido en el Siglo V con Pericles como auténtico mecenas aún con
periodos intermitentes y destrucciones en las guerras médicas con los persas y
las del Peloponeso con Esparta y otras ciudades. Con tantas y continuas
guerras, la proliferación de esclavos de guerra de todo el mundo conocido, se
construyeron las maravillas que aun perdidas muchas, todavía quedan legados en
forma de ruinas. Puede que este desarrollo también esté mediatizado con el
nacimiento de la Filosofía como motor del pensamiento y el conocimiento, es la
época de Sócrates, Platón y Aristóteles, auténticos bastiones del pensamiento
posterior de la humanidad.
Llegamos al imperio más grande
conocido del mundo antiguo, el romano; realmente continuador cultural y
heredero del mundo griego, por imitación de su estética, también de su forma de
vida y religión, sus dioses son los mismos salvo en el nombre, aunque se tiende
a valorar como dos culturas independientes, englobadas en el mundo clásico.
Además, acaparador e importador de todas las culturas pertenecientes al
imperio. El legado de esta cultura en la actualidad es impresionante, no parece
que hayan pasado tantos siglos, todavía en todo el mundo nos regimos por muchas
normas creadas por ellos, y no solo en la estética, también en el derecho, la
lengua, la política, en todo ha influido.
Prototipo de pueblo colonizador e
imperialista, conquistador de nuevos territorios mediante la ocupación militar
con continuas guerras e integrando las nuevas poblaciones autóctonas en la
maquinaria política y social del estado y convirtiendo a una gran parte de su
población en esclavos, trabajadores y soldados, absorbiendo la cultura de
estos, también el arte. La arquitectura, escultura, ingeniería y la pintura
tienen un papel preponderante que exportan a todas las tierras del imperio.
Coliseo de Roma
Fresco de Pompeya --------->
A partir del Edicto de Milán en
el 313 del emperador Constantino, imponiendo el cristianismo como religión
oficial del imperio, comenzaron a edificarse los primeros templos cristianos
con la necesidad de reunión de fieles, adoptarían el modelo de basílica romana
de grandes dimensiones y con ello las basílicas paleocristianas proliferaron.
Los motivos artísticos se centraron en la religión cristiana, de hecho, las
primeras sociedades cristianas eran bastante intolerantes con los paganos, siendo
normal la destrucción de estatuas, pinturas y todo lo que no tuviera las
motivaciones exigidas, claro ejemplo fue la destrucción de la Biblioteca de
Alejandría, así como el ataque a las personas dedicadas a la ciencia y la
investigación como la científica Hipatia de la misma ciudad que lo pagó con su
vida.
Podríamos constatar que es el arte
que se desarrolla en Occidente durante los cinco primeros siglos, hasta la caída
de Roma por la invasión de los bárbaros, solamente se mantiene y durante muchos
siglos en Bizancio hasta su caída en 1453 a manos del imperio turco.
Parece ser que el pueblo, los fieles, participan en el desarrollo y construcción de los templos, pinturas y artes figurativas, todo muy mediatizado por la religión y sus símbolos, Los Pantocrátor son lo más representado, frescos, mosaicos, vidrieras e incluso en las cerámicas y esculturas funerarias. Pantocrátor es una representación de Dios Todopoderoso, propio del arte Bizantino y un posterior Románico, en posición mayestática con la mano derecha levantada bendiciendo y con la izquierda portando las Sagradas Escrituras, habitualmente exhibido en iglesias y en fachadas de edificios en relieves, enmarcado en una orla en forma de almendra y rodeado de alegorías de los cuatro evangelistas.
Pantocrátor
Nos adentramos en el largo periodo
medieval, desde el Siglo V al XV, de la caída de Roma hasta la toma de Constantinopla
por el islam turco. Incluye diferentes periodos, reconocida injustamente como
edad oscura, especialmente bélica y cruel, (¿Qué edad no lo ha sido?),
determinada por la religión. Los artistas no son reconocidos como tales, se
convierten en meros artesanos normalmente anónimos. Los constructores de
catedrales ya no son los arquitectos del periodo clásico, son maestros canteros,
con conocimientos aparentemente más rudimentarios, pero tan geniales. La
arquitectura, escultura, orfebrería, pintura (frescos y tablas), manuscritos
(especialmente religiosos, con sus miniaturas). Este periodo comienza con la
herencia artística del mundo clásico, fundamentalmente del imperio romano y del
arte paleocristiano que mencionamos anteriormente. Los diferentes estilos se
desarrollan evidenciando la continuidad de unos a otros, prerrománico,
románico, gótico, con sus diferentes variantes según las zonas geográficas
(visigodo, carolingio, vikingo). La presencia en occidente del arte islámico
con sus derivaciones como el mudéjar o mozárabe. Aquí nos vamos a centrar en los
más significativos, árabe, románico y gótico.
El Arte Islámico, como expansión cultural
y religiosa es fundamental en la Edad Media, tanto en Oriente como en el sur de
Europa, se caracteriza por su eclecticismo, ideas y arte tomadas de diferentes culturas,
pero con determinados condicionantes muy estrictos, como la no representación de
Dios ni del profeta Mahoma y por extensión la figura humana. Su arquitectura
tiene un fuerte sentido religioso y las artes decorativas tienen un lugar
preponderante. Es de destacar el carácter efímero de sus obras, utilizando
materiales muy sencillos, no como el mármol y el granito eteno, son
especialistas en ladrillos y yeso. Es de destacar la decoración a base de
filigranas muy minuciosas, todo muy policromado. Destacan los motivos geométricos
y las escrituras del Corán en todo tipo de paredes. Alá es Dios, Mahoma es el
Profeta y todos nosotros estamos de paso en esta vida efímera al igual que
todas las obras realizadas por los hombres.
Mezquita de Córdoba
El Arte Prerrománico, primer periodo de arte medieval en Europa occidental, es más historiográfico que estilístico, es una continuación del arte paleocristiano, corresponde al periodo de la Alta Edad Media, no destaca por las grandes construcciones arquitectónicas. Mezcla de pueblos germánicos y los restos de la cultura grecolatina, es un periodo donde destaca el sistema de vida monacal de las gentes que podrían dedicarse a ello, implicándose más en el desarrollo de manuscritos y orfebrería.
A partir del Siglo XI, el prerrománico
nos presenta un nuevo estilo, un arte donde la religión ocupa un lugar
preponderante, su objetivo, acercarnos a Dios. Iglesias, Catedrales y
Monasterios comienzan a extenderse por Europa, es la arquitectura predominante,
la escultura y la pintura están destinadas a las mismas construcciones. Los
artesanos no persiguen la belleza, quieren acercarse a Dios. El Arte Románico,
arte heredado del antiguo imperio romano, lengua, cultura religión, la
expansión de la iglesia, las órdenes religiosas, las peregrinaciones etc.,
hacen una amalgama tan entrelazada que se extiende por toda Europa donde la
figura de Dios ocupa la práctica totalidad de la vida de las personas. La expansión
del cristianismo es determinante y sobre todo en la península ibérica como
enfrentamiento a la expansión islámica.
Arquitectura en piedra labrada, paredes
muy pesadas, arcos de medio punto, maestros canteros que construyen y esculpen
figuras religiosas en el mismo granito, pintura en frescos de los mismos
edificios religiosos. Todo muy compacto.
Existen dos mundos, de puertas
adentro de los edificios religiosos y fuera un sistema feudal donde las clases
sociales están perfectamente diferenciadas. También podemos destacar la
construcción de edificaciones militares y castillos propios de la época con un
claro carácter defensivo que nos han quedado en herencia y construidos por los
mismos canteros.
Catedral de Santiago de Compostela
En la Baja Edad Media, su etapa
final, se empiezan a notar grandes cambios, aunque la vida social sigue prácticamente
igual, el feudalismo está presente en la vida de los hombres, pero artísticamente
se sienten esos cambios, fundamentalmente un cambio estético, parece que se
pueden hacer las obras más bellas, no solo simbólicas. Un nuevo estilo, aunque
también historiográfico ya que se basa en modificaciones del románico,
realmente un cambio impreciso, que se mantiene vigente, es el Gótico.
El Gótico coincide con el
resurgimiento de las ciudades, la burguesía, la aparición de las universidades
y de nuevas órdenes religiosas. Comienza la transición del feudalismo al
capitalismo, aunque muy lentamente, no todo cambio es rompedor. La palabra
gótico proviene del latín y es la denominación que en el Renacimiento pusieron
a este periodo, de los barbaros, de los godos. Pero las muestras no lo reflejan
así.
Se piensa que las obras más
monumentales de la historia de la humanidad son las pirámides de Egipto, pero
creo que realmente, en un periodo de dos siglos, la proliferación de grandes
Catedrales en toda Europa lo supera con creces, en monumentalidad, en volumen
de construcción, en refinamiento. Posiblemente el sentido de estas obras sea el
mismo, alabar al Dios cristiano o a los antiguos dioses y sus faraones.
Entrando en este estilo o forma de ver el mundo, la catedral es el centro de todas las sociedades, es la cumbre de la obra del hombre, las ciudades crecen a su alrededor y es el centro de culto más importante, su importancia social es más que relevante. La diferencia con el periodo románico es fundamentalmente una nueva estética, las catedrales deben ser centros de luz, lo más altos posibles, estéticamente más bellos, estilizados. Catedrales llenas de luz con gran altura que necesitan prescindir de grandes muros compactos incorporando nuevos elementos con muchos arcos, arbotantes, vidrieras artísticas muy trabajadas que reflejan una luz interior que parece del más allá. La escultura y pintura siguen destinadas a la decoración de estos monumentos
Catedral de Milán Catedral de Chartres
La Edad Media parece que queda atrás
cuando una nueva visión del mundo se extiende en Europa Occidental. Ya no es
Dios el centro del Universo, el hombre comienza a ocupar su lugar. Es la era de
los grandes descubrimientos, de los inicios de la ciencia, los grandes viajes, etc.
y la imprenta se encarga de transmitir todos estos conocimientos, el desarrollo
humano, el pensamiento y esa nueva forma de ver el mundo contribuyen lógicamente
a grandes cambios tanto en el Arte como las Ciencias, físicas y sociales.
Entramos en el Renacimiento.
Con el Renacimiento comienza la Edad
Moderna, se rompe con la tradición artística medieval, ese periodo oscuro en la
historia y es un renacer a la cultura y el arte clásicos. Los artistas
comienzan a tener su importancia, su sello, su prestigio. Aparece la figura del
mecenas que financia las obras arquitectónicas, escultóricas y pictóricas, con
un sentido de adquisición de prestigio, siendo importante que figure de alguna
manera en el resultado final bien como parte de cuadro o escultura. Cobra un
papel importante el diseño de las obras y su estética. Ya no son maestros canteros,
ya son propiamente arquitectos, escultores o pintores reconocidos, la
valoración y el mercantilismo adquieren un papel importante. Se desarrolla de
forma especial en Italia; grandes familias de burgueses acaudalados son los impulsores
de este desarrollo.
La figura humana ya no importa a quien representa, vírgenes, cortesanas, cristos, dioses, héroes de la antigüedad, personajes sociales etc. ya no escandalizan a nadie. La estética y la belleza adquieren un papel preponderante, no todo es religioso, proliferan todo tipo de palacios y edificios públicos. El ser humano es la medida de todas las cosas. Italia es el centro geográfico más importante de este pensamiento, grandes artistas son reconocidos en toda Europa. Las ciudades estado entran en una fuerte competencia por los servicios de estos artistas, Venecia, Florencia, Milán, el Vaticano y otras se convierten en el centro neurálgico extendiendo su estilo a toda Europa como por ejemplo a España y su estilo Plateresco (estilo minucioso de los orfebres de la plata, oro y piedras preciosas) propio del reinado de los Reyes Católicos. La pintura se desarrolla en Europa como un auténtico boom, siendo posiblemente la época pictórica más importante de la humanidad. En España destaca el Monasterio del Escorial desde el punto de vista arquitectónico. De todas formas, es un momento artístico tan extenso, que no me puedo parar en detalles minuciosos sobre artistas y sus obras.
Ateniéndonos a una sucesión
cronológica pasamos a otro periodo fundamental, el Barroco, un estilo, una
forma nueva de concebir el arte. Surge a principios del Siglo XVII en Europa
Occidental y en Latinoamérica, abarcando todos los campos artísticos,
arquitectura, escultura, pintura, literatura, música, danza, teatro etc. hasta
bien entrado el Siglo XVIII. Los enfrentamientos religiosos y políticos son
constantes, entre católicos y protestantes, entre monarquías absolutistas y
parlamentarias, apareciendo una incipiente burguesía con un asentamiento del
capitalismo. Es la época del Antiguo Régimen como denominarán sus sucesores de
la Edad Contemporánea.
Del Barroco surgen diferentes
corrientes artísticas, como el Rococó (exageraciones sensuales de la naturaleza
en la corte de Francia) o el Manierismo (a la manera de los grandes maestros
principalmente italianos). Es un arte muy refinado y ornamentado con
representaciones muy realistas, con tendencia a la exageración. La arquitectura
presenta una exuberante decoración, el Palacio de Versalles es un claro ejemplo.
En cuanto a la pintura, la proliferación de obras de arte es inmensa. Los
artistas dependen de sus mentores, aristócratas reyes y gente de la corte.
Las Meninas, Diego Velázquez
Inmediatamente posterior al Barroco
surge un nuevo periodo, el Neoclásico, coincidente con el final de la Edad
Moderna, una vuelta inspirada en el antiguo clasicismo, fundamentalmente en
arquitectura y escultura. Otra nueva forma de pensar fundamentada en los
principios de la Ilustración. El hombre, ante la ciencia y el conocimiento, una
nueva filosofía que inspira a los artistas de Europa y América. Este periodo
transcurre entre la segunda mitad del Siglo XVIII y el primer tercio del Siglo
XIX. La independencia de Estados Unidos y la Revolución Francesa con sus constituciones
son la cúspide de este movimiento, donde el hombre ya se instala definitivamente
como el centro del pensamiento y actividades humanas. La Razón sustituye a la
Religión.
Desde el punto de vista artístico lo
más disruptivo es la arquitectura, con gran proliferación de columnas,
capiteles y todo tipo de elementos propios de la antigüedad clásica. En otras
artes como en la música también se advierte un gran salto, es la época de
Mozart y Beethoven.
Comienza cronológicamente la Edad Contemporánea,
no confundir con el Arte Contemporáneo, que es el de nuestro tiempo, nuestro
siglo XX y posterior. Podríamos decir que el Siglo XIX, desde el punto de vista
artístico, es una continuación del anterior. Las ideas desde la Revolución
Francesa han cambiado drásticamente, para mejor, se asientan las naciones de
forma parecida a la actualidad, los imperios, que gracias al desarrollo
tecnológico y científico se extienden por todo el mundo como el británico, toda
América se constituye en naciones, las comunicaciones alcanzan un nivel muy
optimo, infinidad de productos, materias primas, arte y elementos culturales
proliferan por Europa, crean moda el arte y las culturas más alejadas, China, Japón, la
India. Egipto etc.
Coincidiendo con la decadencia del
imperio napoleónico, el neoclasicismo va perdiendo peso a favor del
Romanticismo, una tormenta después de la calma; el drama, el erotismo, la
libertad individual o el subjetivismo, culto a las fantasías medievales y sus
ruinas, al exotismo, fantasmas, monstruos, el artista-genio, la rebeldía y
sobre todo el amor y la tristeza (y el suicidio).
La literatura, la pintura, así como
la música, son las disciplinas que mejor representan el Romanticismo, en
arquitectura es de destacar un determinado gusto por las construcciones
medievales, básicamente en Inglaterra. En literatura, es el momento de grandes
poetas universales, alemanes e ingleses destacan, pero en otros países no se
quedan cortos, es un gran momento literario. El auge de la música y su popularidad
es innegable, es el auge del sinfonismo con orquestas amplias en grandes
teatros, no en pequeños grupos de cámara destinados a la aristocracia o gente
de la corte. La música refleja perfectamente ese sentimiento romántico. La pintura romántica deja atrás los motivos
clásicos, no para centrarse en algo concreto, es muy versátil, un compromiso
con la realidad social y política inspirado por los nuevos ideales de la
Revolución Francesa, el gusto por el retrato y a ser posible con un aura de
tristeza y nostalgia, motivos épicos históricos, paisajes brumosos, fantasmagóricos
o fantasiosos.
Delacroix. La libertad guiando al pueblo
Caspar David Friedrich. El caminante sobre el mar de nubes
Un movimiento nuevo aparece en contraposición al Romanticismo, un movimiento pictórico que se dio en Francia a mitad del Siglo XIX a raíz de una exposición en Paris, titulada como este movimiento, Realismo, que se caracteriza por su crudeza y obscenidad, con el pintor Gustave Courbet como su principal representante, su obra el Taller del Pintor en esa misma exposición fue el origen del escándalo, es también para destacar su conocida obra polémica y muchas veces prohibida, El Origen del Mundo. Es de destacar en este movimiento al pre impresionista Edouard Manet
Courbet, El Taller del
Pintor
Courbet, El Origen del Mundo
Manet, El Almuerzo en la Hierba
Otro movimiento a destacar es el
Prerrafaelismo, movimiento anti academicista de mediados del S.XIX,
representado por un grupo de artistas, básicamente ingleses, que consideran que
el arte que se realiza es una mera copia del renacentista del S.XVI y concretamente
hasta Rafael. Buscan la excelencia técnica, la observación de la naturaleza y
temáticas genuinas, preferentemente medievales. Duró pocos años.
John Everett Millais. Ofelia
Llegamos al movimiento pictórico más
importante de la segunda mitad del XIX el Impresionismo. Auténticamente
francés. El origen de este término es despectivo, algo como “impresión” a la
hora de calificar a una obra de Monet (Sol Naciente), que estaba exponiéndose
en el Salón de Artistas Independientes de Paris en 1874. Difícil de aplicar a otras
artes aparte de la pintura, solo se puede destacar en la música de la época
como la de Debussy o algo en escultura como las obras de Rodin. Se caracteriza
por plasmar la luz como una impresión visual, más allá de las formas y será
clave para la pintura posterior, posimpresionismo y vanguardias. Los miembros
fundadores de este movimiento son reconocidos y sus obras expuestas en el Museo
d´Orsay de Paris dedicado a ellos (Degas, Monet, Cézanne, Renoir, Pissarro …)
Es de destacar la evolución al llamado posimpresionismo, con su gran representante Vincent Van Gogh, pintor neerlandés y afincado en Francia en su periodo de plenitud artística, con unos inicios de tonos sombríos y terrosos, es su traslado al sur de Francia (Arles), donde adquiriría esa pasión por la luz y los colores vivos. Prácticamente no vendió ningún cuadro y siempre fue financiado por su gran mecenas, su hermano Theo, marchante de una galería de arte, llevando una vida realmente trágica.
Renoir, El desayuno de los remeros
Pissarro. Rue Saint Honoré de tarde.
Vincent Van Gogh
Van Gogh. Terraza del café Van Gogh, Iglesia de Auver
Van Gogh, Autorretrato Van Gogh. Dormitorio en Arlés
Van Gogh. El Puente de Langlois
Las Vanguardias. Siglo
XX
Más que movimientos artísticos, son
actitudes artísticas, rupturistas de las artes plásticas, con el objetivo de
expresar los nuevos tiempos, fundamentalmente en pintura y escultura. La
libertad de expresión es su objetivo, llamar la atención del espectador,
ruptura con todo lo anterior, exaltación del inconsciente. Se revoluciona por
completo el panorama del arte moderno,
Movimientos de vanguardia más
representativos:
El Simbolismo.
Diferentes formas de expresión que utilizan
símbolos para representar ideas y hechos. Por medio de la percepción de la irrealidad
se estimula la imaginación del espectador. La creación artística debe ser
subjetiva y provocar un estremecimiento del alma.
Fernand Khnopff. Las Caricias o La Esfinge.
El Modernismo.
Modern Style, Art Nouveau,
Jugendstile, Sezessión, Liberty, Modernisme o Modernismo, son las acepciones internacionales
de tan variado estilo. Una reacción estética contra la civilización industrial
que se había impuesto en Europa, cambiando la vida de la gente y la concepción
del arte, con repercusiones en la arquitectura, escultura y pintura incluso en
las artes gráficas.
El Fauvismo.
Movimiento
pictórico francés, impulsado por un grupo de pintores denominados “les fauves”,
es decir, las fieras, con intenciones rupturistas. El color por encima de la
forma y la actitud libre frente a la creación.
Henri
Matisse. La Danza
El Cubismo
Creado por Pablo Picasso y Georges
Braque y desarrollado entre 1907 y 1924. Las Señoritas de Aviñón, emblema del
cubismo, son su punto de partida. Picasso con esta obra da pie al resto de las
vanguardias europeas del siglo XX para romper con la pintura tradicional.
El Arte Naif
Autodidacta, ingenuo, simple, infantil, son algunos de los adjetivos que
han servido para aproximarse al arte naif, aunque, es preciso matizar; este
autodidactismo de estos artistas lo que pretende es huir del academicismo y
romper con lo convencional. Sus resultados son intencionados, sin tratar de crear
esuela, simplemente pretenden volver al primitivismo pictórico. El gran
representante de este movimiento es Henri Rousseau.
Henri Rousseau. Tormenta Tropical
Miguel Gª Vivancos. Iglesia de Saint Germain
La escuela de París
A finales del siglo XIX, una serie de
pintores se aglutinan en los barrios de Montmartre y Montparnasse, El centro
neurálgico del primer barrio es un extraño edificio llamado Bateau-Lavoir,
precisamente donde Picasso presenta a sus amigos Las Señoritas de Aviñón. En el
segundo es una zona de cafés del Boulevard Raspail, donde los artistas más
pobres viven en otra extraña construcción circular. Llegan a París artistas de
toda Europa, America, incluso Japón. Algo similar a unas casas ocupas
multiartisticas, parecido a los okupas actuales en ateneos libertarios y
centros aparentemente marginales.
Un mundo artístico de libertad, bohemia y producción muy fecunda, con diferentes estilos donde la imaginación y sensibilidad se imponen. Aparte de Picasso, conviven muchos amigos suyos como Modigliani o Marc Chagall.
Marc Chagall. Las fábulas y los sueños
El Dadaísmo.
Todas las formas posibles de provocación
intelectual se manifiestan en este movimiento, definido como “Un cuchillo sin
hoja cuyo mango se ha perdido” por su más insigne representante, Georg
Christoph Lichtemberg.
Una de las obras más controvertidas y
emblemáticas de este movimiento es la conocida Fuente de Marcel Duchamp,
representada por un urinario. Además de pictórico el también literario, también
rompe con todo, es la llamada poesía automática. Una reciente intervención del
mejor político en la España actual, lo define perfectamente en una contestación
a un miembro de la oposición en el Congreso de los Diputados “como la poesía dadaísta,
usted llena un saco con palabras y luego las saca en cualquier orden”.
Tuvo gran influencia en el desarrollo
del arte contemporáneo posterior, aunque según sus creadores, el significado de
la palabra dada, no significa absolutamente nada. El dadaísmo fue realmente
escandaloso, una afirmación de la época lo define como “nunca antes, un grupo de
decadentes, desprovistos de todo saber y toda voluntad, ha tenido coraje de
mostrarse al público como lo hacen estos dadaístas”
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